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Ein Zeichentrickfilm ist ein Animationsfilm, der auf verschiedenen Medien (Papier, Karton, Glas, Cello, Computer, etc.) hergestellt wird und darin besteht, den Zuschauern die Illusion der Bewegung von Figuren oder Objekten zu vermitteln, indem eine Folge von Zeichnungen, die die verschiedenen Phasen dieser Bewegung darstellen, Bild für Bild aufgezeichnet wird.

Es ist die älteste und bekannteste Animationstechnik, auch bekannt als 2D-Animation, traditionelle Animation oder klassische Animation. Sie unterscheidet sich von der 3D-Animation vor allem durch die Art und Weise, wie sie produziert wird.

Der Begriff schließt nicht gezeichnete Animationen aus: (Papierschnittanimation, Volumenanimation (darunter Knetmasse), Pixilation). Metonymisch bezieht sich der Begriff auch auf Animationsserien und Animationsfilme als solche.

Zu den Zeichentrickfilmen, die unter die klassische Animation fallen, gehören die Vollanimation (Bild für Bild), die Phasenanimation und die Transparenzanimation, obwohl der Begriff im Volksmund auch Stopmotion und ähnliche Animationstechniken umfasst. Der erste Zeichentrickfilm mit dem Titel El apóstol (Der Apostel) aus dem Jahr 1917 wird dem argentinischen Zeichner Quirino Cristiani zugeschrieben und wurde in der Cut-Out-Technik gedreht, die eher der Stop-Motion-Technik entspricht.

In Japan hat sich ein besonderer Stil von Zeichentrickfilmen entwickelt, der sich an den Manga orientiert und als Anime bezeichnet wird.

Der Anime ist vor allem für seinen Erfolg bei Kindern bekannt, auch wenn sich ein Großteil der Produktionen nicht nur an sie richtet.

Produktion

Die Herstellung von nicht-trivialen Zeichentrickfilmen (d. h. von Filmen, die länger als ein paar Sekunden sind) hat sich als eine Form des Filmemachens entwickelt, die einige einzigartige Aspekte aufweist: Merkmale, die sowohl Live-Action- als auch Animationsfilmen in Spielfilmlänge gemeinsam sind, sind der hohe Arbeitsaufwand und die hohen Produktionskosten.

Der wichtigste Unterschied besteht darin, dass in der Produktionsphase eines Films die Grenzkosten für eine weitere Einstellung bei Animationsfilmen höher sind als bei Live-Action-Filmen. Während es für einen Regisseur relativ einfach ist, während der Hauptaufnahmen eines Live-Action-Films eine weitere Einstellung zu verlangen, muss jede Einstellung eines Animationsfilms von den Animatoren manuell gerendert werden (obwohl die Aufgabe, leicht unterschiedliche Einstellungen zu rendern, durch moderne Computeranimation weniger mühsam geworden ist). Es ist sinnlos, wenn ein Studio Dutzende von Animateuren dafür bezahlt, wochenlang eine fünfminütige Szene zu kreieren, die visuell beeindruckend ist, wenn diese Szene die Handlung des Films nicht effektiv voranbringt. Aus diesem Grund begannen Animationsstudios, angefangen mit Disney, in den 1930er Jahren damit, Storyboard-Abteilungen zu unterhalten, in denen Storyboard-Künstler jede einzelne Szene anhand von Storyboards entwickeln und den Film erst dann an die Animatoren übergeben, wenn das Produktionsteam davon überzeugt ist, dass alle Szenen als Ganzes einen Sinn ergeben. Auch Live-Action-Filme werden heute mit Storyboards erstellt, haben aber mehr Spielraum, um von den Storyboards abzuweichen (d. h, Improvisation in Echtzeit).

Ein weiteres Problem, das nur bei Zeichentrickfilmen auftritt, ist die Notwendigkeit, die Konsistenz eines Films von Anfang bis Ende aufrechtzuerhalten, auch wenn die Filme länger und die Teams größer geworden sind. Animatoren haben, wie alle Künstler, zwangsläufig einen individuellen Stil, müssen aber ihre Individualität konsequent dem Stil unterordnen, der für einen bestimmten Film verwendet wird. Seit den frühen 1980er Jahren haben Teams von etwa 500 bis 600 Personen, davon 50 bis 70 Animatoren, in der Regel abendfüllende Animationsfilme erstellt. Es ist relativ einfach, die Stile von zwei oder drei Künstlern aufeinander abzustimmen; schwieriger ist es, die Stile von Dutzenden von Künstlern zu synchronisieren.

Dieses Problem wird in der Regel dadurch gelöst, dass eine separate Gruppe von Künstlern, die für die visuelle Entwicklung zuständig sind, vor Beginn der Animation ein Gesamtbild und eine Farbpalette für jeden Film entwickelt. Die Charakterdesigner des visuellen Entwicklungsteams zeichnen Modellbögen, um zu zeigen, wie jede Figur mit verschiedenen Gesichtsausdrücken, in verschiedenen Positionen und aus verschiedenen Blickwinkeln aussehen soll. Bei traditionellen Animationsprojekten wurden oft Maquetten angefertigt, um den Animatoren zu zeigen, wie die Figuren aus verschiedenen Blickwinkeln aussehen würden.

Im Gegensatz zu Live-Action-Filmen wurden Animationsfilme traditionell über das Stadium des Exposés hinaus durch das Storyboard-Format entwickelt; die Storyboard-Zeichner erhielten dann die Anerkennung für das Schreiben des Films. In den frühen 1960er Jahren begannen Animationsstudios, professionelle Drehbuchautoren für das Schreiben von Drehbüchern einzustellen (während sie auch weiterhin Story-Abteilungen einsetzten), und Drehbücher waren in den späten 1980er Jahren für Animationsfilme üblich geworden.